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lunes, 23 de octubre de 2017

Efemérides: Un 23 de octubre en la Historia de la música

4:21 p. m.


1964. Nace Robert Trujillo bajista de Metallica.


Efemérides La Musique celebra el natalicio #53 de el músico estadounidense Robert Trujillo, nacido en Santa Mónica, California, más conocido por ser el actual bajista de la banda Metallica. Ingresó en la formación en 2003, por lo que ha participado en la grabación de los dos últimos álbumes y en el más reciente "Hardwire...to Self Destruct" publicado en noviembre de 2016. Por otro lado Trujillo formó parte entre 1989 y 1995 de la banda californiana Suicidal Tendencies y de su proyecto paralelo Infectious Grooves. Posteriormente fue miembro del grupo de Ozzy Osbourne y colaboró con Zakk Wylde de Black Label Society antes de unirse a Metallica.

Dicho por los miembros de la banda, la llegada de Trujillo a la banda, ha sido una inyección de aire nuevo y por supuesto ahora explotamos más. Celebremos a Robert Trujillo junto a Metallica en la más reciente entrega discográfica en la canción "Atlas, Rise!".








1951.- Nace el músico argentino Charly García. 


También celebramos el natalicio #66 del cantante, compositor y productor argentino, leyenda viviente del rock en español Carlos Alberto García Moreno, más conocido como Charly García nacido en Buenos Aires. En los años setenta fundó grupos de éxito y de culto como Sui Generis, Serú Girán, La Máquina de Hacer Pájaros y desde 1982 ha publicado más de una veintena de álbumes en solitario. Sus instrumentos son la guitarra y el piano y es considerado un ícono del rock argentino y uno de los artistas más influyentes del rock en español, autor de temas como "Rasguña las piedras", "Canción Para Mi Muerte", "Nena", "Viernes 3 AM", "Seminare", "Canción de Alicia en el País", "Desarma y Sangra", "Cerca De La Revolución", "Los Dinosaurios" y "Demoliendo Hoteles". En agosto de 2009 tras un largo año y recuperándose de adicciones a drogas y alcohol, publicó el tema "Deberías Saber Por Qué" al que siguió en 2010 el disco "Kill Gil", grabado cuatro años antes. En septiembre de 2013 presentó en el Teatro Colón su show "Líneas Paralelas (Artificio imposible)" con su banda The Prostitution y dos cuartetos de cuerda llamados orquesta Kashmir, en homenaje a Led Zeppelin. También en 2013 se publicó el directo "60x60" una caja de tres CD/DVD con 57 temas que recogen los conciertos realizados en 2011 en el teatro Gran Rex de Buenos Aires. 


Actualmente se encuentra en la promoción de su más reciente producción discográfica titulada "Random" lanzada en febrero pasado. Celebramos a Charly escuchando de su más reciente disco la canción "Lluvia".





Podcast: Las mejores 7 canciones de Green Day

1:17 a. m.

Los 12 trabajos discográficos del trío más importante del punk en la actualidad, han dejado para la historia de la música un legado impresionante de joyas y clásicos con las que muchas generaciones han visto crecer su vida, marcados por canciones de una época en la que el desamor, la rebeldía, las drogas y la juventud marcan la pauta en un cauce cíclico que ha dado vida a bandas como los Sex Pistols, The Clash, The Ramones y en la actualidad a Green Day.

Por eso y con excusa de su visita por segunda vez al país, decidimos hacer un repaso exprés por algunos de sus éxitos y desde las que consideramos en La Musique, son sus mejores 7 canciones. Antes que nada, le recomendamos ponerse cómodo, si ya compró la boleta mirarla de frente y sino alistarse para hacerlo, ajuste el volumen y prepárese para recordar los mejores años de su vida.

viernes, 20 de octubre de 2017

Recomendado: Mira "Thirst", lo último de Martino Park

10:13 a. m.

La banda bogotana Martino Park sorprendió hace poco a sus fans, con el estreno del vídeo de la canción "Thirst" que traducida al español significa "Sed", el vídeo nos narra la historia de un quiebre de una relación, donde el personaje principal está sediento de algo que fue suyo y atesoró con todas sus fuerzas, pero sin embargo por diversas situaciones lo ha perdido.

Esta canción hace parte del repertorio de la banda desde hace más o menos dos años y surge bajo la producción de Jairo Pineda, además de contar en sus créditos con Chris Lord-Alge quien es un ingeniero de mezcla laureado a nivel mundial y reconocido por mezclarle a bandas de la talla de Muse y Green Day

Según los miembros de la banda la decisión de hacerle el vídeo a "Thirst" sale de una decisión unánime por parte de todos los miembros, ya que a pesar de tener más canciones, la que mas se prestaba para hacer un vídeo era esta, dado que contiene una atmósfera impregnada, perfecta para ser plasmada en un medio audiovisual.



El vídeo esta  disponible en Youtube, listo para que cualquier persona pueda disfrutar de él, además el single está también en todas las plataformas de streaming como Deezer y Spotify, ahora solo resta esperar por tener todo el disco de Martino Park, el disco saldrá a mediados del mes de noviembre y contara con alrededor de 10 canciones.

Escucha "Thirst" en nuestra playlist de Estrenos La Musique

miércoles, 18 de octubre de 2017

Estrenos: Matthew Battle presenta su sencillo "Nothing Much more Left to Do"

1:31 a. m.

Matthew Battle es un músico multi-instrumentista británico, que vive en Bogotá hace 4 años, durante los cuales ha producido desde su guarida secreta una cantidad de música inimaginable, ¡Es una máquina de hacer canciones! Su estética artesanal, muy DIY, le ha dejado como resultado 4 LP's que fusionan melodías simples del pop con guitarras y teclados, a veces distorsionados y penetrantes, que viajan de lo punky hasta los extremos del folk. Sus letras hablan de la cotidianidad y constantemente incluye citas de sus referencias musicales. La apariencia simple de la música de Matthew es reflejo de lo que él piensa debe ser la música: accesible, democrática y sobre todo inspiradora.

"What’s the Difference between a Book and Your Self" a diferencia de sus obras anteriores, fue producido bajo el sello Discos La Modelo. Según el mismo Matthew, en este álbum la música es menos ruidosa y menos folk, aquí relucen las guitarras limpias y chispeantes bañadas en reverberación, creando un sonido reflexivo que refleja las letras poéticas y filosóficas del álbum. Es como si los Beatles se encontraran con Daniel Johnston y Mac Demarco.

Como una pequeña muestra de esta placa de 17 pistas, nos entrega su primer sencillo y videoclip 'Nothing Much more Left to Do', grabado en Julio por María Angélica Madero en su ciudad natal Leigh-on-Sea, ubicada en el Estuario de Támesis.


En esta ocasión, después de haber tocado en venues como La Roma Records y Matik-Matik, prepara el lanzamiento de su cuarto álbum "What’s The Difference between a Book And Your Self" el 11 de noviembre en El Pepino junto a Stallone, la banda encargada de abrir la noche con su lo-fi underwater surf.


Escucha este y más Estrenos La Musique en nuestra playlist:

martes, 17 de octubre de 2017

Galería: El jardín de la nueva música independiente en Bogotá

12:38 a. m.

Nos gusta ver las flores de la música independiente crecer y que aviven sus colores al tono de un público que comienza a admirar su belleza, pero antes de que todo cobre su naturaleza, hay muchas manos detrás del cultivo de este Jardín, manos que en su misión plantean no parar de sembrar semillas para la escena en un tiempo próximo.

Varias de esas manos han dado origen a este jardín en especial, el Tropical Garden, desarrollado por Noise Noise, cuyo destino llega a su segunda edición y que aspiramos, tenga más encuentros a lo largo de los años venideros. 

Esta fiesta que reunió a Lucille Dupin, Quemarlo Todo Por Error, Tristán Alumbra, Ser Sónico y Arrabalero le dio al público la cuota de sonidos para que generen sus propios sembrados en sus casa y lugares que rodean. Todo registrado por los lentes y la mente del amigo de la casa Julian Alejandro Morales, disfruten de esta galería a oscuras. 

Tropical Garden 2017

lunes, 16 de octubre de 2017

Historias: Lanzamiento de "Qué fácil es vivir" de El Nicho

11:11 p. m.

Estuvimos en el gran lanzamiento de una de las más interesantes y dinámicas bandas de Bogotá, en un lindo espacio como es Cafe Culture que ademas de abrir las puertas a este nuevo grupo, también da la oportunidad a nuevos y a distintos estilos de música en su tarima. 

El 30 de septiembre, presenciamos las románticas y sentidas canciones de Compañero Cimarrón, quien con su gran voz acompañado únicamente de su guitarra, encendió y envolvió el lugar con un ambiente romántico, bohemio y sentimental. Una gran apertura para lo que venia en la noche. 


De El Nicho se conoce poco, pero este aspecto no desmerita ni les resta el valor y la potencia que tienen sus canciones. Con un poco de "de todo" como dirían ellos mismos El Nicho es el encuentro y un conjunto de varias ideas, de ritmos y de ambientes, si bien sentimos toda esa energía en un par de canciones donde los solos de guitarra y la emoción del rock eran protagonistas, como también se pudo sentir ese espíritu pasivo, pasional y entregado en canciones como "El Fantasma de Juan" que con un lindo arcordeón adornó el momento de un sentimiento callejero y algo oscuro.

Su propuesta no solo varía y no solo busca una conexión con la guitarra y demás instrumentos, también va mas allá y juega mucho con las voces y los sonidos del cuerpo como bien lo hicieron con "Arrullo" una canción en la que el cuerpo es el instrumento, una canción que invita a ser parte de su música. 


Entre rock, folclore y funk,la noche avanzó hasta llegar al momento de su estreno, el momento con el que El Nicho se quería hacer sentir realmente, además de presentar su gama de sonidos, quiso presentar y exponer lo que es y será su huella, lo que El Nicho llama "funkclore" (que solo hace falta escuchar para entender de que se trata). "Qué fácil es vivir" es el primero de lo que esperamos sean más sencillos.

Como ya expresamos, esta canción con la que El Nicho pisa duro, es la canción que muestra de lo que se trata El Nicho, no solo en su sonido si no en su mensaje, una canción que exige que el cuerpo se mueva y busca dejar una o varias ideas o un pensamiento a favor de lo bueno que es estar vivo. 

viernes, 13 de octubre de 2017

Opinión: Hablemos de Green Day

4:46 p. m.

Cuando hablamos de Green Day lo hacemos sobre un grupo que aprendió a través de los golpes y mostrando una gran fuerza de voluntad hasta erigirse como un nombre imprescindible en la historia de la música. Básicamente es hablar de una banda que para el millenial promedio fue de las primeras o la primera que escuchó en su vida. Algunos hasta se introdujeron en la guitarra con sus canciones. Entonces si, culturalmente han logrado una penetración enorme.

Paradojicamente, hablar sobre su legado al punk o al rock es todo un reto. Porque si, el trío de Berkeley supo ser una banda increíble en todos estos años, con discos impecables (bueno, unos más que otros…), ¿pero han dejado realmente un legado a seguir para las bandas posteriores? ¿son imprescindibles o insustituibles en la historía del género de las guitarras?

En cierta forma, sí, pero eso se debió en principio más a su relativa desconexión con el resto de bandas punk californianas de su tiempo que a una autentica innovación. No tenían el panfleto político de Bad Religion o Pennywise (y cuando incursionaron en esa línea tampoco todavía priorizaban la musicalidad), no había rastros ska como en Rancid, no poseían el humor de blink-182, y definitivamente eran menos frívolos que The Offspring. Cuando Dookie salió a la venta en 1994 fue entonces como una definición por oposición antes que por asociación. Pero no porque Green Day tuviese algo en contra de esas bandas, sino porque desde un primer momento demostraron que se tomaban más en serio a sí mismos que el resto. Incluso en 39/Smooth y Kerplunk se notaba que aun moviéndose en el sonido punk de California tenían algo diferente al resto. No necesariamente algo que los fuese a llevar al estrellato internacional, pero definitivamente tenían una sensibilidad distinta a la del promedio.


Canciones donde la decepción, las dudas, los miedos y los anhelos adolescentes cristalizaban en la particular voz de Billie Joe Armstrong, sobresalían entre riffs de guitarra atrapantes y una coordinación bajo-batería impecable. Uno escucha "Going To Pasalacqua" o"One Of My Lies" de sus primeros discos, o “She” y “Basket Case” del Dookie para inmediatamente notar cómo aprendieron de grupos como Hüsker Dü y The Replacements que un sonido pulido no necesariamente va en contra de la energía o la pasión que pueden transmitir al público.

Los estándares marcados por Dookie a todo nivel fueron fundamentales para que el neo punk o pop punk fuese un movimiento musical a considerar durante fines de los noventa y hasta, más o menos, 2004. Nombres como Sum 41, Good Charlotte, Yellowcard, Simple Plan o Paramore seguramente no existirían sin ese disco. Aunque, también es justo decirlo, ninguno de esos grupos pudo superar a su alma mater.


Aunque siempre señalaron que les costó lidiar con el éxito internacional de Dookie, es justo resaltar que no bajaron ni un poco sus estándares de calidad durante los siguientes diez años. En el más oscuro y “nirvanesco” Insomniac se percibe un regreso parcial al sonido pre-Dookie, más sucio pero con la producción profesional que no tenían en sus primeros años, y aun así dejo momentos impecables como “Geek Stink Breath”, “Panic Song” (una especie de proto-Jesus Of Suburbia en términos de estructura), “Brat” o “Walking Contradiction”.


Más adelante en Nimrod, la gran referencia creativa pasa a ser el trabajo de The Clash en London Calling, planteándose una mayor diversidad y exploración de ritmos diferentes. En él exploran la paternidad de Armstrong y los excesos derivados del estrellato en toda la banda. Aunque en general no pierde el tono neo punk (y en el caso de “Platypus (I Hate You)” lo mantiene), ya deja ver que es más elaborado en “Last Ride In” o “Reject”, a la vez que incorpora ritmos nuevos para el grupo, como ese can-can guitarrero de “Hitchin' a Ride”.


Por su parte en “Good Riddance (Time of Your Life)” dejan ver una sensibilidad pop más amplia de lo que cualquiera hubiese podido imaginar escuchando Dookie años atrás. Entender el rumbo que tomaron durante el nuevo milenio y la evolución musical de otros grupos surgidos más adelante como Paramore, Good Charlotte (particularmente en su proyecto alterno The Madden Brothers) o AFI se explica escuchando el paradigma tan importante que marcaron con ese disco.


Cuando decidieron profundizar esa dirección en Warning no les fue tan bien comercialmente a pesar de dejar temas como “Minority” y la canción titular entre sus clásicos, por eso se plantearon un cambio radical en su concepción musical. Ese cambio sería una mayor ambición de la que habían mostrado hasta entonces, donde todavía los instintos punk dominaban (o los reprimían). Para ilustrar esa coyuntura basta con explicar que el movimiento que contribuyeron a formar estaba repleto de puros émulos (por no decir imitadores) que hicieron de esa fórmula infalible algo carente de verdadero impacto cultural y un mero vehículo para vender discos. Que perdieran algo de su relevancia frente a estas bandas nuevas (y que las cintas del que iba a ser su siguiente álbum fueron robadas) indicaba que era momento de un cambio.

Ese cambio se llamó American Idiot, y surgió luego del mencionado robo de sus cintas. Decidieron grabar desde cero, exigirse al máximo creativamente, cambiando sus puntos de referencia que a partir de ese momento serían Queen y The Who. Los primeros por su forma de coordinar armonías y melodías, y los segundos por su fuerza y el tono conceptual de álbumes como Tommy o Quadrophenia.

Suele decirse que ahí se terminaron de “vender” a la industria, pero la verdad no conozco ningún grupo (punk o no) que se atreviera a grabar un álbum conceptual, criticando la farándula y la política a la vez, alcanzando ese nivel de éxito internacional. Hay álbumes anti-Trump al por mayor en este 2017, pero ninguno está ni remotamente cerca de tener esa misma presencia en la cultura popular. Y eso que hablamos de un trabajo surgido en tiempos de Internet…


Pese a quien le pese, es el punto en el que alcanzaron la gloria definitiva, porque precisamente rescataron la ópera rock del olvido y la combinaron con el espíritu de Broadway y sus propias raíces musicales. Pero más importante aún, en American Idiot se juntaron distintas formas de composición por primera vez, luego de años siguiendo una linea creativa más estática. Uniendo piezas individuales de los miembros surgían "Homecoming" y "Jesus of Suburbia", la cruel experiencia de Billie Joe en su niñez cuando lo abandona su padre inspira "Wake Me Up When September Ends". “American Idiot” es un comentario directo a la política exterior del gobierno Bush, la paranoia persistente en la sociedad estadounidense después del 9/11, y a la vacuidad de los reality shows musicales tipo American Idol. Era el momento en el que según Billie Joe "por primera vez aceptábamos plenamente el hecho de que éramos estrellas de rock".


Al mismo tiempo que alcanzaban un éxito renovado, grupos como My Chemical Romance, The Subways, Fall Out Boy, The All American Rejects o Panic! at the Disco tomaban nota de este paradigma y lo aplicarán en lo sucesivo desde perspectivas diferentes en sus respectivos álbumes. Algunos con incursiones más directas en el pop, otros profundizando en las guitarras (particularmente en algunos ganchos del indie rock), y en el caso particular de My Chemical Romance, llevando aun más lejos la influencia de Queen en su propio trabajo para crear The Black Parade.

La secuela de American Idiot llega en 2009 con 21st Century Breakdown, donde mantuvieron la formula y aun se fajaron buenos momentos en "21 Guns", "Know your Enemy", "East Jesus Nowhere", "The Last of the American Girls" o “Horseshoes and Handgrenades”. Supongo que en ese momento el miedo a equivocar el camino luego de American Idiot los cohibió un poco y por eso decidieron repetir el formato conceptual, lo que se tradujo en una adhesión no tan fuerte de sus fans, pero todavía justificada con buenos temas. Fue con motivo de esa gira que pisaron suelo colombiano en 2010, y donde pudimos comprobar de primera mano junto a miles de personas mucho de lo que han podido leer hasta ahora.


Descrita como "un cruce entre AC/DC y The Beatles" la trilogía que lanzaron en 2012 es por encima de todo, setentera. Hay toques de power pop en ¡Uno!, una tendencia más garage en ¡Dos! y un punto más equilibrado con algún numero acústico sensiblero en ¡Tré!. En este caso es posible que tanto la vieja guardia noventera como el público que conquistaron con American Idiot se sintiera decepcionado, pero como ejercicio para destripar ese arquetipo, funciona. Eso sumado a su ingreso al club de los cuarentones explica mucho de ese nuevo cambio de estilo. Aunque hace algo más de ruido en las guitarras, casi se podría decir lo mismo de Revolution Radio. Hay buenos temas, pero no llega al mismo impacto incuestionable de otros tiempos.


Mirando su carrera globalmente, Green Day es en esencia un grupo punk, pero su música no traduce eso necesariamente. No son la aberración anárquica que intentó ser Sex Pistols, pero musicalmente fueron más allá de lo que el género ofrece normalmente, tomando el toro por los cuernos y agitándolo para hacer todo eso que se consideraba prohibido hasta entonces. Todavía hay reservas en algunos círculos punk frente a eso de tocar en estadios y tener algo de esa mística haciendo esa música de tres acordes, pero el hecho es que ellos lo hicieron. Y más allá de las voces en contra, es difícil objetar su impacto en esa subcultura en particular. Las bandas que continúan su legado no suelen ser tan llamativas (aunque hay excepciones como AFI o The Subways), pero en definitiva continúan haciendo la tarea de llevar a nuevas fronteras ese sonido. Claro que en el proceso se pierde mucho del espíritu original, pero a lo mejor ese impacto del trío de Berkeley se traduce en la necesidad de renovarlo, de reformular objetivos.

No dar vuelta al pasado, mirar hacia delante y golpear la mayor cantidad de cabezas posibles con cada guitarrazo. Llevaron tan lejos al punk como podía llevársele. El siguiente paso será reformularlo, pero eso ya no les corresponde a ellos. Eso será responsabilidad del próximo trío de revoltosos que se vea con solo tiene dos opciones en la vida: ser la burla de todos, o la mejor banda de todo el planeta.

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