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viernes, 11 de mayo de 2018

Eventos: La Musique y All Bird presentan el primer Mercado Musical del Eje

2:51 a. m.

El actual escenario musical en Colombia está pasando por uno de los momentos más interesantes de su historia, la cantidad de artistas que surgen con un material sorprendente son la vara que permite medir un futuro prometedor en la industria. Todo ello en un punto en que la música latinoamericana está en el radar del mundo. 

Por tal razón hay iniciativas cuya labor busca aprovechar el potencial que existe y convertirlo en oportunidades reales para todos aquellos que están permitiendo que el sector de la industria de la música crezca. 

De esta manera en alianza con All Bird y en medio de un proceso que tiene como objetivo permitir el crecimiento del sector del Eje Cafetero, vinculando como puente a las principales ciudades de Colombia; La Musique presenta el primer mercado musical para el Eje Cafetero: MEME

Esta rueda de negocios se une a la gama de proyectos que se desarrollan en el país como el Bogotá Music Market, Circulart y el Mercado Musical del Pacífico. Se llevará a cabo el 24 y 25 de mayo en la Universidad del Quindío, compuesta de dos jornadas, la primera (24 de mayo), en donde habrá un espacio de conferencias, conversatorios y showcases, que tratarán temas como: el papel de la música en la construcción de paz en Colombia, derechos de autor y periodismo musical. 

El 25 de mayo serán las negociaciones entre proyectos musicales e importantes compradores como festivales, escenarios, empresas de booking y managment, entre otras plataformas de extensión de la música. Luego se continuará la fiesta en el festival Grito Rock Armenia, uno de los escenarios más importantes del sector, aliado al Mercado. 

Las inscripciones para artistas están abiertas hasta el 15 de mayo a las 7 de la noche. Si desea participar como público también pude inscribirse. 

Así, La Musique ratifica su compromiso con la escena independiente, alternativa y emergente del país. Poco a poco la música nos une cada vez más. 

Para conocer la información completa del Mercado Musical del Eje, no olvide visitar la página web y las redes sociales del mercado a través de: http://mercadomusicaldeleje.org

martes, 1 de mayo de 2018

Estrenos: Nicolás y los Fumadores presentan: "Como pez en el hielo"

11:45 p. m.

Después de estar amagando casi un año con el lanzamiento de “Como pez en el hielo”, Nicolás y Los Fumadores presenta por fin su álbum debut. La primera canción del disco, "Primer llamado" está diseñada para que el oyente abra la cajetilla, busque la candela que se le refundió, saque un cigarro y lo prenda con toda la tranquilidad del mundo. Luego sí empieza el disco. Suena entonces "Paseo submarino" y Los Fumadores nos hacen una promesa que cumplirán a cabalidad a lo largo del disco: te prometo que habrá cigarrillos.


Las canciones que componen este disco, entre las que se encuentran los clásicos caletos "Bruce y Margaret" y "Bailando Triste", nos llevan al centro de lo que Los Fumadores llaman la tragicomedia de la vida bogotana​. Son canciones frescas y divertidas, obsesionadas con la vida cotidiana, con su malestar y sus pequeñas desgracias; pero también con sus placeres y sus pequeñas victorias, como los cigarrillos y el Vive100, drogas hermosas porque no producen nada: no embellecen la vida ni disimulan su aburrimiento, pero la hacen más digna de ser vivida.

El disco fue completamente producido y mezclado por la banda en colaboración con sus amigos y allegados.

Este jueves 3 de Mayo tendremos en La Musique Radio el placer de entrevistarlos, pero si quieres escuchar en vivo el nuevo material de Los Fumadores, aquí hay 3 oportunidades para verlos:

Mayo 4: La Hamburguesería de La Candelaria, Bogotá 
Mayo 12: A Seis Manos, Bogotá 
Mayo 18: La Pascasia, Medellín

Escucha el disco completo en tu plataforma de streaming favorita:

miércoles, 18 de abril de 2018

Playlist: Radiohead en 20 canciones

9:00 a. m.

Estamos a pocos días de cumplir uno de esos sueños largamente postergados para los fanáticos a la música en Colombia: el primer concierto de Radiohead en nuestro país. Con una trayectoria que está cerca de llegar a los 30 años, nueve trabajos que oscilan entre lo convencional y la deformación de ese mismo convencionalismo a través de una experimentación pocas veces vista en la música popular (al menos a ese nivel), Thom Yorke y compañía nos deleitarán con un show disfrazado de festival (el Soundhearts) donde Guetto Kumbe, Flying Lotus y Junun servirán de abrebocas para tan importante evento. 

Capaz de generar amores y odios, existe como mínimo el consenso en reconocerle merito a una banda que supo pasar de sus inicios como una típica banda pseudo-grunge y ligeramente autodestructiva, a ser el gigante que todos pueden admirar o considerar sobrevalorado y soporífero, pero que siempre permite ser disfrutado asumiendo cualquiera de esas posturas. 

Hoy traemos a ustedes un listado con 20 canciones que pueden ser representativas en la trayectoria de la banda de Oxford. No se buscó que fuera una introducción “para Dummies” al grupo o una forma de complacer a los seguidores. Más bien se buscó plasmar desde una perspectiva distinta la forma en que han evolucionado desde sus inicios pseudo grunge a sus devaneos con la música electrónica. 

1. Creep (Pablo Honey) 




Pasan los años y esta canción sigue despertando sensaciones ambivalentes. Hay quienes se inclinan a pensar que si, que es una canción corriente y no hace justicia a lo que terminó representando la banda de Oxford. Otros por su parte la ponen como uno de los pocos temas que realmente conocen de Radiohead junto a “High And Dry” o “Karma Police”. Como sea, es un clásico de los noventa por derecho propio, una evidencia de lo bien acoplada que estaba la banda desde sus inicios, y un primer ejemplo de esa afición por joder las canciones. En este caso, con el rasgueo mordido de Jonny Greenwood previa a esa catarsis particularmente desanimada del coro. 

2. Anyone Can Play Guitar (Pablo Honey)


El álbum donde apareció “Creep”, Pablo Honey, no fue muy valorado en su época más allá de sus buenas ventas. La crítica de la época llegó al extremo de calificar a Radiohead como “un intento cobarde de una banda de rock”. Su evolución posterior no ayudó a la causa de revalorizar esa primera experiencia en estudio. Sin embargo, canciones como esta evidenciaban un acople desarrollado, así como una habilidad para plasmar matices muy propios a través de las canciones que podían distanciarlos (aunque fuera parcialmente) de sus influencias. Probablemente no era algo que se pudiese captar en su momento, pero si hace ver que esos primeros comentarios descalificadores fueron (y aún son) exagerados.

3. Fake Plastic Trees (The Bends)


En 1995 y con la fiebre britpop a todo dar, Radiohead lanza su segundo LP, The Bends. Introspectivo pero con un trabajo de guitarras mucho más intrincado que en su debut, fue la demostración definitiva de que no eran unos aparecidos con un one hit wonder oportunista. El sencillo “Fake Plastic Trees” fue uno de los temas que más atesoraron los fans alrededor del mundo gracias a la forma en que Thom Yorke alterna entre agudos y gritos rasgados, mientras las guitarras pasan de lo acústico a lo eléctrico de forma tan progresiva como delicada. 

4. Street Spirit (Fade Out) (The Bends)



El mayor éxito de The Bends no fue “High And Dry”, sino una de las canciones más impactantes que haya grabado el quinteto de Oxford en su carrera. Parece un ritual con chamanes para invocar la oscuridad y el caos, pero ejecutado en una plaza pública en vez de un bosque o algo por el estilo. La batería de Phil Selway y ese arpegio de guitarra que le permite a Yorke desplegar esa suavidad alienada en su voz que se volverá marca registrada de Radiohead en lo sucesivo, son la clave para entender el encanto que le permitió a la banda trascender su propia época. 

5. Planet Telex (The Bends)



Radiohead a lo largo de su historia tuvo canciones buenas, sobresalientes, excelentes, himnos, y unas pocas como “Planet Telex” que sobrepasan los calificativos. Ese ambiente tan crudo, tan intenso, pero a la vez tan épico siempre ha resultado impactante. Mucho más si se toma en cuenta que es la pista que abre The Bends. Muchos de esos ruidos blancos de fondo parecían servir de aviso para lo que iba a pasar con su siguiente álbum, apenas dos años después.

6. Exit Music (For A Film) (OK Computer) 


Un folk que bien podría servir para una película cyberpunk. Más o menos así podemos describir la frialdad y la ausencia emocional que se puede percibir en esa canción. Los teclados al fondo, los rasgueos desganados y la voz de Yorke que parece totalmente alejada del oyente y su metamorfosis hacia el free jazz son buenos indicios de lo que hizo grande a OK Computer: ser una colección de canciones blues para la globalización.

7. Paranoid Android (OK Computer) 



¿La “Bohemian Rhapsody” del alternativo? Sin ninguna duda. El impacto que tuvo en las emisoras a pesar de su nula intencionalidad por ser “radiable” fue todo un logro. Mucho más al ser la columna vertebral sobre la cual se sostiene el concepto principal de OK Computer: el de la alienación de la raza humana.

8. No Surprises (OK Computer)


El vídeo (un guiño evidente a “Sledgehammer” de Peter Gabriel) ayudó mucho a su éxito, pero por si sola transmitía con fidelidad la importancia que tuvo para Radiohead toparse con la electrónica en ese punto de su trayectoria. En esta canción que aparenta ser de cuna, Yorke plasma el desgano que le produce ser parte de un mundo cada vez más vacío, predecible y fácil de controlar por lo mediático.

9. Idioteque (Kid A)



¿Suicidio artístico? ¿O simplemente se mostraron al mundo tal y como eran realmente? Difícil saberlo con claridad incluso hoy, pero Kid A hizo lo que el Y2K no pudo: separar el siglo XX del XXI. “Idioteque” en esos días era como mirar hacia donde podía dirigirse el planeta si la mentalidad tan vacía y manipulable persistía entre su gente. Beats fríos, ruidos de sintetizador repetitivos, Yorke casi haciendo de cronista en un programa de radio… Parecía una transmisión pérdida en el espacio por la teoría de la relatividad de Einstein.

10. The National Anthem (Kid A)


Otro de los puntos altos de Kid A, seguramente por ser lo más parecido a Joy Division que han compuesto en su carrera. Bajo prominente, batería contundente y algo aventurera, ruidos del ‘ondas Maternot’ al fondo y Thom tan asertivo como siempre, pero a la vez más incomprensible que nunca en sus líricas. Los vientos parecen haberse anticipado a St. Vincent por lo menos 10 años. 

11. Pyramid Song (Amnesiac)





Una tonada delicada en el piano da vida a una de las canciones más impecables de Radiohead. No fue revolucionaria o marcó paradigmas en la música popular como otras de su catálogo, pero dio una buena muestra de la capacidad que había adquirido la banda en ese entonces para hacerse más y más versátil. Prueba de eso la encontramos en cómo los elementos sinfónicos se entrecruzan con los ruidos electrónicos para dar como resultado un ambiente relajado pero a la vez imponente.

12. Knives Out (Amnesiac)



Amnesiac fue una versión más orgánica de Kid A, en el sentido de que los instrumentos tradicionales tenían algo más de peso que el procesamiento de estudio que acostumbraron por esos días. No fue tan aclamado como Kid A pero dejó momentos como este, dónde un riff sutil de Greenwood le permite a Yorke imponer su voz entre la batería medio jazzera de Phil Selway, como avanzando entre un bosque de colgantes para puertas.

13. Myxomatosis (Hail To The Thief)



No solo es una de las canciones más apreciadas por los fans de Radiohead, sino que es una de las más extrañas y difíciles de tocar en vivo. La métrica entre los ruidos de sintetizador y la batería en plan jazzero de Selway parecen no corresponderse entre sí, como si cada uno tirase por su lado. Lo más increíble es que en ese conflicto la voz de Yorke se mueve con naturalidad, casi mostrándose como una “tercera vía” o la llave para comprender tanta locura.

14. Jigsaw Falling Into Place (In Rainbows)



¿Qué pasa si tomamos “Street Spirit”, le ponemos beats menos humanos y lo reproducimos al revés? Algo como esta canción. Un riff muy certero de Greenwood maneja a su antojo la situación en esta canción de In Rainbows, dando como resultado una asociación de ideas aparentemente al azar en la letra pero puestas al servicio de algo parecido a un flamenco deconstruido.

15. 15 Step (In Rainbows)


In Rainbows fue el disco con el cual entendímos hacia donde habían estado dirigidos todos los esfuerzos previos de Radiohead: hacia la vanguardia volviéndose orgánica o capaz de llegar a una audiencia mayor. “15 Step” es un buen ejemplo, utilizando las lecciones de Kid A en un ritmo emparentado a ratos con la bossa nova.

16. House Of Cards (In Rainbows)





Fantasmagórica y con ecos del Kid A, fue uno de los cortes de difusión de In Rainbows, apoyado en un vídeo bastante visionario, puesto que no fue grabado con cámaras, sino usando una técnica con la cual escaneaban imágenes mediante un sistema de barrido. El resultado es un complemento visual perfecto para una canción atmosférica, relajante, donde las guitarras daban probablemente su mejor desempeño a lo largo del álbum.

17. Lotus Flower (The King Of Limbs)





Visto como un regreso a los ambientes enrarecidos de Kid A, The King Of Limbs enfrentó críticas divididas y la incómoda pregunta de si su experimentación no había ido ya demasiado lejos. Pero se habló incluso más del ya mítico vídeo de Yorke bailando al ritmo de “Lotus Flower”. No sé si fue la mejor idea para ese vídeo, pero la canción por sí misma fue uno de los dos puntos altos de ese disco.

18. Supercollider



Si la hubieran metido en The King Of Limbs habría sido un álbum mejor como en un 50%. Todo por un ritmo monocromático, sin apenas cambios de ritmo, pero con un sentimiento espiritista tan intenso que uno solo puede callarse y rendirse ante ese curioso mantra que nos propone la banda en ese sencillo independiente que incluía también a “The Butcher”.

19. Burn The Witch (A Moon Shaped Pool)




Hay un motivo por el que esa canción remite a la Edad Media con eso de las "cruces rojas en las puertas de madera" y el "abandono de la razón" a los cuales hace referencia en la letra: Thom Yorke advirtió un giro ideológico generalizado hacia ese tipo de prácticas en personajes como Donald Trump o ISIS. Aborda con genuina determinación la situación de paranoia y polarización que afronta el planeta, sin caer en trampas comunes en ese tipo de casos como lo "políticamente correcto" o el "tomar partido" por uno de los dos bandos. Musicalmente responde a la pregunta de qué pasaría si Kid A o Hail To The Thief hubiesen sido pensados para inaugurar una nueva era de la música clásica en vez de una del rock o el pop. Sin necesidad de guitarras o de exagerar con los sintetizadores y en cambio poniendo adelante las cuerdas orquestadas por Jonny Greenwood consiguieron darle vida a un clásico viviente en su repertorio.

20. Ful Stop (A Moon Shaped Pool)



Esta canción de A Moon Shaped Pool vuelve a la oscuridad y la alienación que mostraba la banda en Kid A. Con un beat impecable que se va recargando a si mismo hasta que le cede el pasó a la catarsis generada por el baterista Phil Selway adquiere protagonismo con el paso de los minutos mientras los lamentos de Yorke se cruzan con las guitarras en apariencia sencillas de Greenwood y Ed O'Brien.

Escucha la playlist en tu plataforma de streaming favorita:

lunes, 9 de abril de 2018

Estrenos de la Semana (abril 2 - 8)

4:51 p. m.
Así comienza abril en materia de estrenos musicales:

Danicattack - Velocidad (abril 2)


Con ritmo más atrevido y un toque funk en las guitarras, Danicattack vuelve a la carga con un nuevo sencillo que revela cambios notables en su sonido. La introspección de su álbum anterior cede paso en "Velocidad" a una dinámica más segura de sus posibilidades y al mismo tiempo alineada con el sonido de grupos como Zoé, optando por un equilibrio entre la herencia del rock en español y las posibilidades de la música del nuevo milenio.

Melody's Echo Chamber - Breathe In, Breathe Out (abril 3)


Tras superar un accidente que la obligó a cancelar la gira mundial en la que se hallaba inmersa, Melody's Echo Chamber vuelve al ruedo con nuevo LP (el segundo) debajo del brazo. Tras publicar previamente "Cross My Heart" y "Shirim", su nuevo sencillo "Breathe In, Breathe Out" ratifica el énfasis en las guitarras por parte de la francesa en esta nueva producción, sin descuidar el dream pop psicodélico que caracteriza su trayectoria. Su nuevo álbum Bon Voyage saldrá a la luz el 15 de junio.


Ságan - Polaridad (abril 5)


Profundizando en lo mostrado con su debut largo Cada Célula, Ságan da una nueva muestra de su synthpop sutil con su nuevo sencillo "Polaridad", donde la voz de Maria Mónica se encarga por si sola de plantar imágenes en nuestra mente de ese paralelismo entre el romance y los movimientos atómicos que describe la letra.

LaTenaz - Delirio Tenaz (abril 5)


Pocas veces la carrilera sonó tan alternativa (o el indie tan arrabalero) como en la nueva canción de LaTenaz. Firme entre guitarras eléctricas y un ambiente bien de cantina aportado por los requintos, la percusión y particularmente la voz de Maria Alexandra Vallejo, "Delirio Tenaz" parece dar en el blanco con una idea que, si evoluciona en el tiempo puede trascender fronteras. Por lo pronto, disfrutamos de una gran promesa en formación.

Kali Uchis - Tomorrow (ft Tame Impala) (abril 6)


Luego de una larga espera, finalmente salió a la venta el álbum debut de Kali Uchis, Isolation. Tras conocer "Tyrant", "Nuestro Planeta" y "After the Storm" en los meses anteriores, la pereirana nos toma por sorpresa con la estupenda "Tomorrow", donde colabora ni más ni menos que con Tame Impala. El resultado es apasionado, cadencioso y en definitiva todo lo que esperaríamos de ambos artistas y mucho más.

domingo, 8 de abril de 2018

Estrenos: Escucha "Dulce Sol", lo nuevo de COCO MANO

9:55 p. m.

¿Se ha preguntado alguna vez a qué suena no tener miedo de perderse? ¿A qué suena confiar en uno mismo y ser suficiente? Justamente es aquello a lo que suena el nuevo sencillo de la banda radicada en Bogotá Coco Mano, titulado "Dulce Sol"

Después de una etapa de exploración con la co-creación y las colaboraciones musicales en donde produjeron y grabaron canciones y videos con DJ Julián Cardona, Shikiman, Vagón Coyote, AlmitasCC, Juan Peña, Andrés González, Margarita Redondo y Julián Valdivieso entre otros, Coco Mano regresa con un estilo musical al que definen como sonido acústico, chamánico y de buena vibra traducida en un formato único de banda, con guitarra, bajo acústico, cuatro, percusión y voces.


Coco Mano se caracteriza por ser una banda inclusiva y colaborativa. En sus conciertos siempre trabajan con músicos invitados y se articulan con otras formas de arte o movimientos sociales que propendan al bienestar y mejoramiento social. Por tanto, las letras de sus canciones hablan de conexión espiritual, creación de comunidad y movilización social. 

    


Los encargados de hacer fluir la magia a través de la música en Coco Mano son Sergio González Aristizabal en la composición, guitarra y voz líder, Federico Jaramillo en el bajo, Victor Avella en la percusión, Juan David Cortés en el cuatro y Sebastián Torres en el sonido en vivo.  

Escucha "Dulce Sol" de Coco Mano en plataformas de streaming: 


viernes, 16 de marzo de 2018

Eventos: Elpatron Records presenta Figueroa en La Valija de Fuego

7:00 a. m.

Debido a inconvenientes con la Policía Nacional la semana pasada durante el lanzamiento de Chapinero Mixtape, el primer trabajo de Figueroa (que pueden escuchar aquí), se reprogramó el lanzamiento de este material que ha llamado la atención en buena parte de la escena local para este viernes 15 de marzo en La Valija de Fuego.

Mostrando un cruce salvaje y desgarrado de punk, instintos del college rock y sordidez urbana propia de la escena capitalina, Figueroa presenta un trabajo contundente, repleto de adrenalina y en cierto modo referencial con dicha escena, pues incluye colaboraciones con Oscar de Nerds, Camila Mila, o Harry de Las Malas Lenguas, entre otras. No se pueden perder el principio de un nuevo capitulo en la historia del rock bogotano.

Ya pueden escuchar su sencillo "Detective Aguardientero".

viernes, 23 de febrero de 2018

Crónicas del Melómano: Aguas (Pulcra Records; 2017) - MULA

2:25 a. m.


Hablemos de Merengue...


Uno de los género o ritmos más representativos e importantes de Latinoamérica. Sí, cuando usted crea o alguien le diga que no hay identidad latinoamericana, piense en, y hable de Merengue. Creo yo, es una insignia de lo que somos como latinoamericanos.

También es una de las razones por las que las personas que sabemos poco de todo, como yo, conocemos la gran Republica Dominicana, lo acepto.  ¡Qué sería del baile de muchos sin el Merengue!


(¿Qué tal los vientos y el bajo en esta canción?)



Hablemos de República Dominicana...

Poco conozco de la música Dominicana, aparte de lo mencionado, el merengue. Hasta hace unos años me he acercado a la nueva música que se hace en este país. Sólo tuve un acercamiento a la nueva, moderna, y 'alternativa' música de Republica Dominicana, cuando conocí a la gran Rita Indiana. Figura importante no sólo en el país caribeño sino, en Latinoamérica y en su música; quién me presentó no sólo algunos otros artistas de dicho país sino también uno de los mejores álbumes de 2011, El Juidero.

Hablemos de Rita Indiana.

Además de sus proyectos como escritora, activista y demás, (lo que más me interesa) su música. Rita Indiana, propuso y promovió esta nueva forma del Merengue, más dinámico, divertido fusionándolo y conectándolo con ritmos, sonidos y otros géneros más populares y modernos, como el Rock, el Rap y demás, haciendo algo bastante novedoso y llamativo en un país que es mayormente conocido por el Merengue. Rita Indiana, una clave importante cuando se habla de fusión musical.



Hablemos de Reguetón...

Para esta parte, trataré de ser lo más respetuoso con todo (o quizá no). Creo que es necesario admitir que como el Merengue, lo que conocemos como Salsa, y demás, el Reguetón nos identifica y hace parte de las creaciones de quienes nos consideramos parte de este escenario, este espacio, llamado Latinoamérica. Nos guste o no, el Reguetón y sus representantes han llegado lejos (sea lo que sea que eso signifique) y además se ha convertido en todo un movimiento que atrae masas y grandes cantidades de personas, no propiamente latinas, sino en todo el mundo.

2017, y aún no puedo creer la negación (no importa si no nos gusta) a la importancia cultural que tiene el Reguetón. Aclaro no defiendo al Reguetón musicalmente, aunque debo aceptar también -y eso es un argumento para aceptar al Reguetón- que disfruto y bailo varias canciones de este 'género'.

Machista o no, sencillo o no, bruto o no; creo que es sencillo encontrar que esta no es la única música que ha tenido estas características negativas o ‘defectos’.

Hablemos de música Electrónica en Latinoamérica...


Poco sé del desarrollo y la evolución de estas músicas en Latinoamérica, pero conozco algunos exponentes y varios 'artistas', músicos, etc. que trabajan este género en varios de los países latinos. Y de lo poco que conozco, me atrevo a decir, que la mayoría de música electrónica hecha en Latinoamérica, tiene directamente o al menos, lleva una influencia, tintes y pequeños 'guiños' de la música tropical. Cumbia (sobre todo), Reggae, Dancehall, Salsa, Bugalú, Reguetón etc., etc.

Latinoamérica es fusión, en su mayoría.

A que voy con todo esto:

Creo que en este nuevo trabajo, se reúne todo esto, el Merengue como principal fuente musical para este debut, 'modernización' y re-adaptación del mismo, Reguetón, y electrónica. Así que, hablemos de las dominicanas, MULA y su álbum ‘Aguas’...

Claramente son fusión en su máxima expresión. 'Aguas' el debut álbum de las jóvenes dominicanas, ha sabido y ha entendido de una manera muy precisa de qué trata esto de la fusión. Claro, es una de las infinitas buenas posibilidades que tiene fusionar músicas.

Desde electrónica, con beats y ritmos muy modernos, propios de otras músicas como el Trap, la misma electrónica (obvio), MULA propone una gama de varios ritmos en 11 canciones. El Reguetón o más bien el Dembow, es lo más llamativo para mí en este debut; es un retorno a la base de lo que es uno de los géneros más importantes hoy en día. No sé si en el Reguetón moderno se mantenga como tal esta base, sin embargo es inevitable no sentir el cambio de este ritmo dentro del género; MULA retorna y 'rescata' el Dembow y el Moombathon. Me hizo recordar a las canciones de hace varios años cuando estaba empezando todo el fenómeno del Reguetón, cuando fue más odiado que hoy. 

Dios los bendigaaaa...



Pero 'Aguas' es más Dembow y Moombathon con una gran carga electrónica; porque también tiene cortes del ritmo insignia del país al que pertenece el trío, Merengue. En canciones como 'Retumba', 'Nunca paran', y 'No hay manera'tenemos la agresiva pero buena mezcla de dembow y de repente la fuerza de un merengue veloz. Así recuerdo la modernización del Merengue con grupos como Proyecto Uno y Fulanito. (¡Pero claro! influencia notable de este trío).

Aunque con menos presencia, no podía faltar la Bachata en algunas de sus canciones, igualmente mezclado con el beat y el ritmo electrónico. Algo más para destacar.

En general, el álbum es pura fusión de muchos ritmos, una representación de los géneros de Dominicana, y de Latinoamérica, (inclusive Rock, Disco y Funk), manteniendo lo electrónico y lo digital. Sin manchar otros géneros, otros ritmos, otras músicas supo fusionarlos y mezclarlos, y nada más queda decir, que ¡a bailar!

(Pues más que todo esto, esa es la intención principal y original de MULA, gozar y bailar!)

Favoritas/Recomendadas:


2 - Nunca paran
5 - Eco
7 - Retumba
10 - No hay manera
11 - Espejos en las azoteas (1965)


Escucha "Aguas" de MULA en las plataformas de streaming más importantes del mundo: 

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