[Destacado][carousel][20]

martes, 13 de febrero de 2018

Efemérides: Un 13 de Febrero en la Historia de la música

1:20 p. m.

1950 - Nace Peter Gabriel


Uno de los sujetos más innovadores y a la vez subestimados en la música popular nace un día como hoy en Chobham, distrito de Surrey, en Reino Unido. Recordado por su trabajo como vocalista en Genesis donde lanzó discos tan memorables como Selling England by the Pound o The Lamb Lies Down on Broadway donde ofrecía miradas de la banalidad de los suburbios ingleses proyectada en los disfraces surrealistas que usaba en el escenario, abandonaría la banda en 1975 para encarar una carrera solista donde demostrará primordialmente una fascinación con la música étnica y el procesamiento de los sonidos. Prueba de lo primero es que fue el creador de la organización WOMAD, encargada de ofrecer festivales de música étnica alrededor del mundo, y una evidencia de lo segundo es que Gabriel fue responsable indirecto en la creación de la llamada "reverberación cerrada" cuando le exigió a Phil Collins no utilizar batería acústica en su tercer álbum solista (titulado "Peter Gabriel"). Por ese motivo Collins y su ingeniero de sonido Hugh Padghman trabajaron con los pads hasta dar con ese sonido característico en las percusiones del pop-rock de los ochenta.


En solitario cosechó su mayor éxito en los ochenta con la publicación en 1986 del álbum So, donde exploró las posibilidades del sintetizador con más profundidad que en otros trabajos, a la vez que dejaba espacio para influencias del soul y la música brasileña. Prueba de ello son los éxitos "Sledgehammer", "Don't Give Up" (a dúo con Kate Bush) y "Red Rain".

A pesar de lograr distintos momentos de visibilidad mediática (con Genesis primero, en solitario después) Gabriel siempre mantuvo un perfil más bien bajo entre el oyente promedio, ya fuese por su negativa a acoplarse a todas las exigencias de la industria musical o porque directamente su repertorio no era tan afín a los convencionalismos de pop y el rock. No obstante su contribución al éxito del rock progresivo y a la atención que se le comenzó a prestar a la denominada “música del mundo” desde los años ochenta lo hacen imprescindible en la historia de la música del siglo XX.


1956 - Nace Peter Hook

Resultado de imagen para peter hook

Un día como hoy nació Peter Hook, recordado por su trabajo como bajista en Joy Division y New Order. Responsable de darle más importancia al bajo en ambos grupos hasta el punto de ser la melodía en la mayoría de las canciones de ambos grupos, Hook fue con su estilo de tocar uno de los que definió la música post punk mejor que nadie desde lo instrumental.


Adicional a su trabajo con ambos grupos, Hook formó varios grupos paralelos en los momentos donde New Order entraba en receso o se separaba. El primero de ellos fue Revenge, formado a fines de los ochenta donde combinaba house y música industrial. Tuvo algo de atención pero en general no fue tan fructifero como deseaba Hook. Luego en los noventa formó Monaco con el guitarrista David Potts, logrando algo de éxito en las listas independientes gracias a la canción "What Do You Want From Me?". Poco después se separaron por diferencias creativas y por la inminente reunión de New Order. Cuando estos se volvieron a separar en 2007, Hook forma un supergrupo con Andy Rourke (ex-The Smiths) y Mani (de The Stone Roses) llamado Freebass con el cual graba un solo disco. Actualmente toca en la banda Peter Hook & The Light, interpretando principalmente temas de Joy Division y los primeros dos trabajos de New Order.

martes, 6 de febrero de 2018

Efemérides: Un 6 de Febrero en la Historia de la Música

8:23 p. m.

1945 - Nace Bob Marley

Efemérides La Musique celebra el día de hoy el natalicio de Robert Nesta Marley Booker mejor conocido como Bob Marley, quien nace en Jamaica en el año 1945. Su acercamiento a la música llega después de que se madre comenzara una relación con el padre de Bunny Wailer, persona con quien después conformaría su primera agrupación que se llamó Wailing Wailers y comenzó en el año 1962. Clement Dodd es el productor que los ayuda con  sus primeras grabaciones, siendo asi su primer sencillo “Simmer Down”.

Después del acercamiento que Marley tiene hacia la cultura rastafari es que The Wailers se constituye, teniendo al principio no mucho éxito,hasta la llegada de  Lee Perry, el productor que impulsa la actividad de la banda. Así, comenzando a tomar fuerza en los oídos de la audiencia, es que, en 1970 Aston y  Carlton Barrett, músicos reconocidos del caribe ingresan a la agrupación.

En 1972 la agrupación firma con Island records y es aquí donde tras giras por estados unidos e Inglaterra, después del lanzamiento del álbum “Catch A Fire” la banda comienza a ser conocida fuera de su tierra natal. Sin embargo, aun asi, el disco no tiene tanto éxito como se esperaba.

En 1973 fue lanzado  “Burnin” que con singles como "I Shot The Sheriff" se convirtió en numero uno en ventas en Estados Unidos. Le sigue en 1974  “Natty Dread” y retirándose dos de los miembros fundadores, la agrupación pasó a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. 

Marley fue un pacifista, teniendo en cuenta la constante tensión política en la que Jamaica vivía. Después de un atentado en el que recibió dos disparos, decide trasladarse a Londres y es allí donde graba el disco más importante de toda su carrera llamado  “Exodus” y seguido a este Kaya en 1978, Babylon by Bus ese mismo año y Survival en 1979.

En 1980 se lanza “Uprising” y también se descubre la enfermedad que mataría a Marley. tras una gira y sin ningún tratamiento, en 1981, Bob fallece.


1962 - Nace Axl Rose


Convertido por derecho propio en uno de los mejores cantantes que haya dado la música rock al mundo, Axl Rose nació un día como hoy en Lafayette, estado de Indiana. Como líder de Guns N' Roses accedió al primer plano del panorama internacional luego de años viviendo casi como vagabundo junto a sus compañeros gracias al lanzamiento de Appetite For Destruction, uno de los debuts más exitosos de la historia, logrando hasta la fecha ventas de 30 millones de copias gracias a canciones como "Welcome to the Jungle", "Sweet Child O' Mine", "Paradise City" o "Nightrain". Posteriormente alcanzarán su máxima visibilidad mediática con los álbumes Use Your Illusion I y II que gracias a sencillos como "November Rain", "Civil War", "Don't Cry" les permitirán realizar una gira mundial de dos años y medio de duración recordada por los excesos y los disturbios en varias paradas de la misma.

Al concluir la gira se van yendo los miembros fundadores de la banda hasta quedar Axl como el único miembro original. Luego de diez años grabando y regrabando, aparece el álbum Chinese Democracy en 2008. Tras su gira promocional y nuevos cambios en la formación de la banda que incluyen el regreso de Slash y Duff McKagan, comienza el Not In This Lifetime... Tour, en el cual sigue inmerso hasta hoy.

Estrenos: Escucha "Quema las Cortinas", lo nuevo de Nanook el Último Esquimal

6:50 p. m.

Dos años después de ratificar su ascendente trayectoria con el EP Alguien Busca un Final Feliz, Nanook el Ultimo Esquimal vuelve a decir presente con su nuevo sencillo, "Quema las Cortinas", donde nuevamente juran fidelidad a la mirada más urbana del rock que ha caracterizado su repertorio desde sus inicios, ahora valiéndose de un ritmo más lento pero cadencioso para propulsarnos en un momento musical ligeramente psicodelico, y algo más indirecto en su lírica de lo que solíamos escucharles en el pasado.

Esta canción formara parte de su próximo álbum de estudio, El Ayuno de las Causas Imposibles, programado para su lanzamiento el 1 de marzo en Discos la Modelo. ¿Será su nuevo sencillo un anticipo de cambios en la banda? Tendremos que esperar hasta entonces para averiguarlo.

lunes, 5 de febrero de 2018

10 canciones de Estados Alterados

5:34 p. m.

No es tan extraño que mucha gente al escuchar por primera vez a Estados Alterados se haga una pregunta algo incomoda cuando se les toma siempre como referentes vitales en la configuración del rock colombiano tal y como lo conocemos y lo hemos conocido: ¿Es lo de ellos realmente música rock? 

Hablamos de un grupo que toma como eje principal de sus canciones los teclados, y en circunstancias normales una banda así "no seria rock" en este contexto  generalmente tan purista y retrogrado (con todo y que ejemplos como el de The Doors refuten fácil esa apreciación). Por eso resulta paradojico repasar cualquier publicación relacionada con el rock colombiano de los noventa, y encontrar siempre ese nombre como referente al lado de Aterciopelados, La Derecha, 1280 Almas, La Pestilencia, Kraken y los que falten.

¿Cómo se explica ese "error de la Matrix"? Probablemente tiene una explicación idéntica a la de por qué Depeche Mode (la influencia más importante en el sonido de Estados Alterados) es igualmente reverenciado en el synthpop que en el rock. Y esa explicación es tener puro y físico carácter. Primero, aparecer en una Medellín repleta de problemas, mala reputación, bandas en su mayoría centradas en facciones más extremas del metal o el punk, pero sobre todo sin las facilidades de grabación-distribución que podía ofrecer Bogotá para el rock (tampoco eran muchas, pero decididamente eran más). Segundo, la decisión de Gustavo "Tato" Lopera, Fernando "Elvis" Sierra y Ricardo "Ricky" Restrepo de hacer de los teclados su instrumento principal en un contexto donde nadie lo hacía, por ende, nadie sabía utilizarlos. Tercero, letras menos elaboradas con el fin de contar historias y más para expresar estados de animo, casi siempre introspectivos.

Si es por eso, resulta lógico que se les encuadre en esa camada del rock colombiano. Y si no, bien les queda ser el primer grupo que obtuvo logros tangibles en canales de comunicación masivos (para la muestra, los vídeos que dirigió para ellos Simon Brand y alcanzaron alguna rotación en MTV) un poco antes de que Aterciopelados entrara en escena. Zafándose de la etiqueta rock es una banda que se defiende incluso mejor, representando de esta forma un paradigma muy particular en la música colombiana que tardó más de lo que uno quisiera en dejar herederos.

Es por eso que en La Musique traemos a ustedes esta selección de diez canciones, donde el hilo conductor viene dado por el impacto que tuvo en ellos Depeche Mode. Probablemente se les podría comparar con muchos grupos más (no es que fueran indiferentes a la movida grunge o a la industrial mientras grabaron su material más perdurable), pero el ejemplo y el consecuente impacto que tuvieron los de Basildon en ellos fue vital para configurar un sonido inicial y diversificarlo con el paso del tiempo. Y a lo largo de los temas iremos explicando por qué.

1. Muévete


Su canción más recordada, y con justa razón. Podría decirse que es su "Just Can't Get Enough", pero hay algo más allá de eso con el sencillo que dio a conocer a Estados Alterados en una generación que emergía junto a la Séptima Papeleta y el triunfo del capitalismo en la Guerra Fría. La letra sigue una linea muy parecida a la que manejaba la Movida Madrileña en sus mejores días, invitando a "olvidarse del baile tradicional" para abrazar una danza androide, impulsada por el teclado de "Tato" Lopera. Un manifiesto musical por donde se le mire, y una primera muestra de su sensibilidad para grabar canciones en ocasiones elementales, pero muy bien cuidadas en los arreglos.

2. Nada


Cuando llegó el momento de grabar Cuarto Acto en 1993, el grupo se hizo más orgánico y menos opresivo de lo que fue en su debut dos años atrás. Probablemente el hecho de adquirir repercusión a nivel nacional así como el ejemplo de sus admirados Depeche Mode (que por esos días sonaban menos siniestros e incorporaban guitarra y batería en vivo) permitió que se relajaran un poco, sobre todo en el sonido que se abrió a nuevas posibilidades con la suma de la guitarra de Camilo Zuleta. No por eso bajaron los estándares de calidad, y es partiendo de esa premisa que le dan forma a uno de los dos cortes de difusión elegidos para ese LP.

3. Los Amos De La Información


Incluida en Rojo Sobre Rojo, es uno de esos temas donde se atreven a dar una visión concreta y personal de ciertas realidades no necesariamente confrontándolos, pero si mostrándolos como cosas que ocurren y sirvan para que el oyente reflexione. No podría describirse mejor el rol de los medios de comunicación en todo el mundo, pues se trata de confeccionar villanos, héroes y símbolos sexuales a través de ese poder para persuadir e "informar". Al mismo tiempo, demuestra con sus guitarras más crudas que la banda entendió bien el momento musical que vivían, orientándose para la ocasión mucho por el estilo de Ministry o Nine Inch Nails.

4. Contenme


Los quince años que pasaron entre la grabación de Rojo Sobre Rojo y la de Romances Científicos están llenos de historias profesionales y personales que los obligaron a tomarse un tiempo fuera justo cuando llegaban a su mejor momento creativo y sobre todo a una muy probable mayor proyección internacional. Como fuese, pasado el tiempo grabaron un nuevo álbum con el productor Phil Vinall (más recordado por su trabajo con Zoé) y como primer sencillo aparece "Contenme", una alteración en si misma de Estados Alterados al ser una versión actualizada y hasta con esteroides de lo que supieron ser en los noventa. Eso si, de altísima calidad, con ganchos melódicos muy certeros, una letra de las que acostumbran y un equilibrio absoluto entre guitarras y teclados.

5. Mana


Compuesto como un tributo a su fallecido primer baterista Carlos Guillermo Uribe en un accidente de transito, es un instrumental lleno de dramatismo. Cada segundo que pasa es como estar un paso más cerca a esa fatalidad que le arrebató a la banda uno de sus primeros miembros, reforzado por los golpes de la batería aportados por su reemplazante "Ricky" Restrepo.

6. Opulencia


Precisamente es Ricky quien asume la voz líder en este tema de su álbum debut homónimo de 1991. Ciertamente es más industrial que otros temas de su repertorio, pero no tanto porque tomaran ese sonido como referencia, sino más bien por los golpes tan secos que salen de la batería para reforzar los siniestros teclados que ejecuta "Tato" Lopera. La letra si bien resulta difícil de interpretar, es puro y simple escapismo. Insisto, el contexto del país (y más de Medellín) daban para eso.

7. Trance


Resulta sorprendente notar cómo el mismo año que Depeche Mode lanza su trabajo más cercano rock hasta la fecha (Songs Of Faith And Devotion) los antioqueños lograban tener un timing tremendo con Cuarto Acto, en tiempos donde la inmediatez de Internet no existía. Con las letras intrincadas de siempre, el entonces trío logra darle forma en este tema bien guitarrero a una escena llena de pasión, deseo y erotismo.

8. Te Veré


Si hubo un día en que Elvis (y por extensión Estados Alterados) estuvieron más cerca a David Gahan y Depeche Mode que nunca, fue cuando grabaron esta canción incluida en su Rojo Sobre Rojo de 1995. Juntan una serie de elementos característicos de esa banda en su etapa noventera (voces femeninas, incorporación de la guitarra para diversificar las posibilidades de los teclados) y los llevan a una dirección donde todavía se resaltan las habilidades particulares de los involucrados. Tato da con las notas de teclado precisas, Ricky acompaña bien desde la batería, la guitarra de Zuleta acompaña mejor que nunca, y Elvis demuestra que puede adaptarse a una linea más radiable como la que asumieron en ese álbum.

9. Inventándome


Aunque Tato abandonó Estados Alterados en 2011 para dedicarse a la composición de bandas sonoras, Elvis y Ricky dieron una prueba de supervivencia notable tres años más tarde con el lanzamiento de Intruso Armónico, donde retoman el sonido de sus inicios aun sin tener a su emblemático teclista a bordo. Probablemente la mejor demostración posible de eso se da con esta canción, donde una base de teclados muy certera impulsa todo lo demás. Una letra criptica y cargada de auto examen (después de todo, "no van a ir a la India para buscarse a si mismos"), una tremenda interpretación de Elvis, y un vídeo de lo más arty pero también de lo más impactante para el contexto colombiano.

10. Atomic Playboy


Para terminar, en este instrumental del Romances Científicos se percibe por un lado la adaptación tan increíble del grupo a las nuevas exigencias y estándares de ese synthpop que revivió en todo el mundo durante el nuevo milenio (claramente la producción de Phil Vinall ayudó bastante). Por otro lado, la habilidad de Tato para sacarse momentos tan ingeniosos y sublimes de los teclados destaca pasando de un arranque más bien experimental a una parte media más rítmica y de ahí a un cierre espacial. Es casi como un testamento de su aporte para el ultimo álbum que grabó con la banda.

martes, 30 de enero de 2018

Disco Recomendado: LCD Soundsystem regresa con su álbum "American Dream"

2:00 p. m.

Como pocos grupos contemporáneos, LCD Soundsystem encarnó el espíritu de una época marcada por el revivalismo antes que por la innovación. Pero ningún otro tuvo el carácter y la valentía que si tuvo James Murphy para sonar diferente, mejor y más desafiante que el resto. En los tres discos que lanzaron durante la década pasada presentaron a muchos de nosotros la historia del post-punk y el mutant funk desde una mirada actualizada pero que al mismo tiempo era como un documental de tiempos más libres de ataduras estilisticas en la música alternativa.

Álbumes notables, conciertos alucinantes, y un status entre los jóvenes al que no se podía ser indiferente. Un día de febrero en 2011, Murphy decide disolver la banda en su pico de popularidad con un memorable concierto en el Madison Square Garden. En 2016 se reúnen en Coachella e inician una gira mundial paralelo a la creación de un nuevo álbum. La suspicacia por poner en juego un catálogo hasta entonces intachable era considerable, y los primeros adelantos aunque gustaban no eran "eso" que sabían ser.

No obstante, también cabe remarcar que su regreso se da en un momento donde la cultura popular se alinea a favor de lo que LCD Soundsystem representa para muchos de nosotros. El reencauche de elementos de la cultura popular como las películas It, Blade Runner y Star Wars, la aparición en cartelera el año pasado de Atomic Blonde, una caricatura de la Guerra Fría disfrazada de película de acción, y la adhesión que ha despertado Stranger Things entre los nostálgicos más tercos que existen (los millenials, por supuesto) han llevado a que el momento sea el correcto.

Al escuchar el álbum completo ese contexto se retuerce, refunfuña, se rebela contra ese destino inevitable de querer recapturar una vez más los años más desafiantes del post-punk, el synthpop, el mutant funk y el new romantic. No tiene mucho éxito en la tarea, pero afortunadamente las canciones son pura catarsis, una tras otra. Claro que, si algo debe destacarse del flujo de "American Dream" es sin duda el hecho de que cada canción que pasa se revela de algún modo contra su antecesora.


Van directo al gran con el synthpop dramático y enrarecido de "Oh Baby", con beats extraños, teclados prolongados y un Murphy que con su voz imponente y lastimera dice "presente". Ese arranque cede paso al mutant disco (con el mutant subrayado con rojo) en "Other Voices", muy en la linea de Talking Heads pero también en la de grupos pioneros del mutant disco como Liquid Liquid o Was (Not Was). Le sigue "I Used To", donde las elecciones de bajo y batería le confieren al tema un ímpetu especialmente notable. Podría decirse que el mutant disco se mantiene, pero en esa pista en particular es como si quisieran disolverlo en un mar de psicodelia mientras la misma canción se opone a eso. Es un forcejeo entre compositor y composición donde el ganador no es claro.

Murphy deja ver su lado más "digerible" en "Change Yr Mind"', cadenciosa, con guitarras todavía dependientes del mutant disco que con el paso de los minutos se transforman en un ejercicio sintetico donde la fuerza de la sencillez prima sobre la melodía o el ritmo.contagioso de otros sencillos de la banda.


Por si creíamos que no tenían algo más para tirarnos, LCD Soundsystem le deja espacio al tribalismo minimalista al mejor estilo de Public Image Ltd. en "How Do You Sleep?". Las percusiones en plan selvático van cediendo paso a un momento celestial pero a la vez absurdo donde unos sintetizadores decididamente minimalistas se apoderan del ambiente hasta dominarlo por completo, al mejor estilo de su clásico, la inmortal "Dance Yrself Clean". Simplemente espectacular, al punto que esos nueve minutos justifican mejor que cualquier otra cosa su regreso a la vida para continuar escribiendo páginas en su historia.


Aparece entonces el primer sencillo de esta era, "Tonite", que recuerda notablemente a los primeros Daft Punk. No llama tanto la atención a la primera, pero cobra más sentido como un engranaje que conforma "American Dream", como haciendo parte de una totalidad. Por su parte, "Call The Police" es un synthpop aun más deforme que los del principio. Cruza krautrock con instintos new wave en lo más parecido al Bowie berlinés que hayan grabado nunca, mientras Murphy utiliza un registro ligeramente romántico.


En los últimos temas como que el LP decide desintegrarse o diluirse en un mar de ruidos sintéticos. Ese proceso se aprecia primero en la canción "American Dream", donde Murphy vuelve a ponerse dramático en la voz, conservando algunos de los principios esenciales de la canción anterior. Suena como un vals para proclamar el final del ideal de nación estadounidense. Luego, en "Emotional Haircut" se aprecian tintes industriales entrecruzados con los golpes típicos del krautrock en un todo que estremece con esas inevitables referencias a Joy Division, Gang Of Four o The Fall que salen de las guitarras, más y más intensas conforme pasan los minutos. Por ultimo, en "Black Screen" los teclados tienen un último momento de gloria mientras las maquinas se van apagando al ritmo de un piano solitario pero firme, casi como si las intenciones de Murphy pasaran por hacer un marcapáginas.


En términos del desafío y lo atractivo que este puede resultar, es su mejor álbum. En palabras de Murphy es la placa donde más han disfrutado el proceso, y por el resultado tan delirante cobra bastante fuerza esa afirmación. Aun tienen esa chispa, esa dosis de locura que nos llevó a seguirlos y ser tachados de "raros" por el ciudadano común. Aun saben rendir culto a sus ídolos sin caer descaradamente en el plagio. Y aun saben hacer del revivalismo y la nostalgia por el pasado un arma subversiva, implacable y adictiva, misma de la que seremos testigos por segunda vez en unas pocas semanas, en el marco del Festival Estereo Picnic.

martes, 9 de enero de 2018

Eventos: Festival Centro, urbanidad y música a tope

12:00 p. m.

Luego de producir expectativa y algo de miedo entre los seguidores de la música en Bogotá sobre si habría o no una nueva edición del Festival Centro debido al silencio que mantuvieron durante todo el mes de enero (fecha en la que tradicionalmente se celebra) finalmente se confirmaron las fechas para una nueva edición, que para la ocasión se realizara entre el 7 y el 11 de febrero.

Bajo el lema "el primer festival musical del año en Bogotá", nuevamente seremos testigos de una curaduría donde los nuevos talentos comparten tarima y público con los consagrados partiendo desde diferentes géneros musicales. En este 2018 se eligieron 40 agrupaciones entre nacionales y algunas extranjeras como Silverio, Sonido Gallo Negro y El Ultimo Vecino, todas ellas que estarán tocando en distintos escenarios de la ciudad.

Cabe destacar que por primera vez en la historia del Festival, una de sus tarimas se ubicará en la zona del Bronx, donde se presentarán cinco artistas en la jornada del jueves 8 de febrero en una iniciativa que busca eliminar el imaginario de esa zona como una insegura. Adicionalmente habrá una franja académica en el Centro Cultural Gabriel García Márquez donde se abordarán diferentes temáticas alrededor de la música. La entrada a las mismas será gratuita, mientras que la boletería para las presentaciones tendrá un costo que puede ir desde ser gratuitas hasta los $21.000 o $26.500 pesos cada una.

Pueden ver el cartel y la programación por días a continuación.

jueves, 16 de noviembre de 2017

Eventos: Buziraco y La Musique presentan Invasión Nacional

7:40 a. m.

Con el pasar de los años, Cali ha ido demostrando porque son un epicentro hacía la construcción de espacios musicales. Guerreando a la par con otras ciudades del territorio, la música independiente ha visto en este territorio un lugar a dónde llegar en el marco de sus giras e intercambios.

En esta ocasión, grandes bandas del panorama nacional se unen en un espectro sonoro que viene a conquistar oídos vírgenes este viernes 17 de noviembre en La Fuente de Soda (Avenida 5N # 29an-47), con propuestas provenientes de Medellín, Bogotá y Cali.

La música del evento arranca con Xol, un proyecto orientado a acercarse a las sonoridades ancestrales que hacen parte de la memoria musical latinoamericana. Por su parte Ismael Ayende, quien llega en el marco de su gira Los Malos Espíritus, proponiendo un viaje sonoro que va desde el calor de la cumbia colombiana hasta la festiva melancolía de la música andina, acompañado de sonidos experimentales y surf rock, basa su propuesta artística y estética en un arriesgado y al mismo tiempo original acercamiento a la cultura musical latinoamericana, lo que les ha representado excelentes comentarios en medios especializados que han reseñado sus lanzamientos y presentaciones en vivo.


Para terminar, en la cuota nacional estará The Spotglow, quienes a través de sus sonidos que mezclan el pop, rock y la electrónica, crean una experiencia en vivo sin igual, muy contundente, capaz de permear a las personas por medio de sensaciones sonoras únicas.


En la cuota local desde Cali, Coyote Rojo con una expresión del rock mucha más cruda, llena de estridencia intempestiva y letras que le hablan a un amplio número de cuestiones lascivas humanas.

Síguenos en Instagram @lamusiqueradio